Universo da Imagem

Ponte Rio São Francisco [Bridge over São Francisco River]

2009-11-21T18:38:00.007-03:00

Fé [Faith]

2009-11-20T17:18:00.000-03:00

Bom Jesus da Lapa, Bahia - Brasil

Peregrinos [Pilgrims]

2009-11-20T17:01:00.000-03:00

Guarabira, Paraíba-Brasil

Panflute

2009-11-20T15:11:00.005-03:00

Francisco Calizaya - Tacna, Peru

Brincante [Funny man]

2009-11-19T21:03:00.007-03:00

Arte humana [Human art]

2009-11-17T10:38:00.014-03:00

Barreiras, Bahia, Brazil

Ela, a Passarela [The footbridge]

2009-11-16T21:58:00.001-03:00

Construção [Building]

2009-11-16T19:29:00.001-03:00

Sobrevivendo do arcaico [Surviving the archaic]

2009-11-06T10:28:00.001-03:00

Farmacopéia [Pharmacy]

2009-11-03T21:35:00.001-03:00

Guarabira, Paraiba-Brasil

Sem palavras [No words]

2009-11-01T05:08:00.001-03:00

World Press Photo

2009-02-13T20:32:00.000-03:00

Anthony Suau; fotógrafo da revista 'Time'; ganhou o prêmio principal do concurso World Press Photo; Na imagem; um policial faz inspeção em uma casa de Cleveland; após os proprietários serem despejados.

Foto do chileno Carlos F. Gutierrez; que venceu o concurso na categoria Natureza. A foto retrata o vulcão Chaiten em erupção; no Chile.

Imagem do fotógrafo Steve Winter; que ficou com o 1º lugar no concurso; na categoria Reportagens sobre a Natureza.

Imagem do fotógrafo belga Mashid Mohadjerin; vencedora da categoria de Fatos Contemporâneos; Na imagem, a guarda costeira italiana auxilia bote de refugiados.

Na imagem do fotógrafo mexicano Carlos Cazalis; um morador de rua se protege do frio em São Paulo. A foto venceu na categoria Reportagens de Fatos Contemporâneos.

Na imagem do fotógrafo mexicano Carlos Cazalis; um morador de rua se protege do frio em São Paulo.Foto vencedora na categoria Reportagens de Fatos Contemporâneos.

O fotógrafo chinês Zhao Qing ganhou o 1º prêmio na categoria Esportes; com imagem de transmissão de prova das Olimpíadas de 2008 em telão de Pequim.

Imagem do fotógrafo italiano Giulio Di Sturco; feita na semana de moda indiana; em Nova Déli. A foto venceu na categoria Arte e Entretenimento.

O fotógrafo japonês Chiba Yasuyoshi foi premiado na categoria Pessoas em Notícias - retrata um conflito entre tribos no Quênia.

O fotógrafo chinês Bo Bor; da agência Reuters; ficou em 2º lugar na categoria sobre Notícias do Momento. Na imagem; bombeiro resgata criança com vida após o terremoto na província de Sichuan; na China.

Fotografia de Callie Shell; que ficou com o 1º prêmio na categoria Notícias do Momento. Na imagem; Barack e Michelle Obama durante a campanha presidencial norte-americana; em um flagra de cansaço

Coraline

2009-02-12T15:53:00.000-03:00

Coraline e o Mundo Secreto por Neil Gaiman. Show e recomendadíssimo!

É fome...

2009-01-31T02:29:00.000-03:00

Bienvenido a Chile [Welcome to Chile]

2009-01-31T02:27:00.002-03:00

Obama digital

2009-01-15T17:49:00.000-03:00

Obama é realmente um cara à frente do seu tempo. Sera o primeiro a fazer a foto oficial da Presidência dos Estados Unidos usando tecnologia digital. Tirada por Pete Souza, é a primeira da história que não foi feita de maneira analógica.

Estrada

2009-01-15T11:04:00.000-03:00

Carlos Araujo

Em linha reta, vai parar no Tocantins. Se virar a direita, Piauí e se voltar, Bahia. Loucura isso!

A casa

2009-01-15T10:12:00.000-03:00

Adoro fotografar casas em ruinas. Gosto de imaginar quem morou. O que fazia e por qual motivo foi embora... No Cerrado, o sol forte do meio dia, o calor e aridez da terra são simbolizados pelo estouro da luz na composição!

A janela [The window]

2009-01-15T07:56:00.002-03:00

Janela do quarto de uma casa centenária na região da Chapada Diamantina na Bahia. Sentado na cama, deparei-me com uma visão surreal [logo eu que não sou religioso] e uma composição incrível. Cliquei!

A foto

2009-01-15T06:35:00.000-03:00

Imagem da fotógrafa Alice Smeets ganhadora do prêmio de Foto do Ano promovido pela Unicef. A fotografia, que mostra uma menina no subúrbio de Porto Príncipe, no Haiti, foi obtida em julho de 2007.

Nao tem preço

2009-01-09T16:37:00.000-03:00

Comercial criativo da mastercard em que foi registrado um momento bem legal da minha vida junto ao meu filho. Isso realmente não tem preço [se bem que teve]!

MTV na parabólica

2008-11-14T16:53:00.000-03:00

Essa é pra quem gosta da MTV Brasil. Antes liberada somente para as capitais e tv por assinatura, agora está liberada para 18 milhões de lares via satélite para as antenas parabólicas ou seja, acesso total e free. Para quem quer sintonizar a MTV ai vai as coordenadas:

Os dados para sintonia são:

Satélite: Star One – C2

Freqüência: em Banda L - 1140Mhz .

Polarização: Horizontal.

Filtro de BW: Half Transponder ou 18Mhz

Consulte o manual da antena para saber como sintonizar um novo canal.

Qualquer semelhança...

2008-11-06T07:38:00.000-03:00

Clique na imagem para aumentar

[Sobre a autora: Chiquinha, ou Fabiane Bento, como é conhecida pelo fisco, nasceu em Porto Alegre no ano de 1984, e é estudante de jornalismo. Após um longo e árduo período rabiscando em flyers nas mesas de buteco teve seus desenhos publicados nas revistas F. Humor, Tarja Preta, Eca Magazine, Vip e Stripburger, da Eslovênia, onde representou o Brasil na edição comemorativa ao 13th City of Women International Festival of Contemporary Arts. Também publicou no Jornal do Brasil, Zero Hora , Diário Catarinense, Jornal do Comércio entre outros. Colaborou nos livros Capitão Presença do cartunista Arnaldo Branco e Mais Preto no Branco de Allan Sieber. Atualmente é colaboradora fixa das revistas Mad e Sexy Premium, e também dos jornais Diário de Pernambuco e Folha de S. Paulo. Precisa mais?! Essa menina é o bicho! Me amarro nas sacadas dela:original e tra

Concurso Cultural Bravo!

2008-07-15T08:10:00.000-03:00

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Vittorio Storaro - O iluminado

2008-05-26T22:52:00.000-03:00

O ITALIANO VITTORIO STORARO FALA SOBRE O PARENTESCO ENTRE PINTURA E CINEMA E EXPLICA O QUE APRENDEU COM BERTOLUCCI E COPPOLA

Divulgação

por MARIA ANDREA MUNCINI
Colaboração para a FOLHA DE SP
São Paulo, domingo, 25 de maio de 2008

Vittorio Storaro é certamente um dos melhores diretores de fotografia em atividade. Prova disso são os filmes rodados com grandes cineastas europeus e americanos mas também, o que é algo raro, suas teorias sobre a luz e a poética a ela relacionada. Desse ponto de vista ele é um autêntico discípulo do pintor Caravaggio (1571-1610), tema de produção homônima para a TV da qual participou no ano passado. Mas há outra coisa que o distingue de seus melhores colegas: ele não quer ser chamado de "diretor de fotografia". Assim, qualquer um que o entreviste ficará desconcertado por essa objeção que, embora aparentemente bizarra, adquire uma lógica própria assim que Storaro, com muita paciência, expõe os seus motivos ao interlocutor intimidado. A surpresa de quem o escuta, a meio caminho entre a perplexidade e a curiosidade, é imediatamente satisfeita e ampliada quando Storaro conclui dizendo que gostaria de ser definido como "cinematógrafo", por analogia a "fotógrafo": enquanto este escreve com a luz (segundo a etimologia grega do termo), mas com imagens fixas, ele escreve com a luz, mas com imagens em movimento (como se deduz do grego "kinésis", que forma a primeira parte da palavra cinematógrafo). A insistência no uso desse termo tem mais uma explicação. Quando se roda um filme, diz Storaro, há apenas um diretor no set, que é o cineasta, e não pode haver outro. Storaro é um conversador muito cordial, que deixa qualquer interlocutor à vontade, mesmo quando se fala de conceitos sobre a luz, de sua importância, do envolvimento total no plano expressivo e criativo, do processo lento e profundamente sentido que leva à reflexão, a ver dentro de si com um olho novo e consciente. Sua evolução pessoal, que Storaro narra com lucidez crítica e envolvimento apaixonado, enreda totalmente seu ouvinte (e também, é claro, o leitor dos seus livros, como a série "Scrivere con la Luce", Escrever com a Luz). Romano, 67 anos, filho de um projecionista da Lux Film, entusiasta precoce da fotografia, já aos 18 anos Storaro era um dos melhores alunos do Centro Experimental de Cinematografia de Roma. Pouco depois, em 1961, estava atrás das câmeras como cinegrafista de "Pugni, Pupe e Marinai" (Socos, Gatas e Marujos), de Daniele D'Anza. Em seguida, foi assistente de "Antes da Revolução" (1964), de Bertolucci, e diretor de fotografia do filme "Giovinezza, Giovinezza" (Juventude, Juventude, 1969), de Franco Rossi. Daquele momento em diante, tornou-se cada vez mais reconhecido, e a fama do seu talento cruzou o Atlântico, quando passou a trabalhar para diretores como Francis Ford Coppola e Warren Beatty, Michael Apted e Richard Donner. Obviamente continua trabalhando com italianos e europeus, tanto que assina quase todos os filmes de Bertolucci e do espanhol Carlos Saura, com um currículo que já ultrapassa 40 filmes.

Leia a entrevista:

De que modo o sr. buscou recuperar a pintura de Caravaggio com os meios do cinema?
O cinema como arte complexa traz em si a arte da pintura, e não há dúvida de que somos o resultado de todos os artistas, de todas as emoções, todas as ideações e criatividade que nos precederam no campo das artes figurativas. Também não há dúvida de que Caravaggio é um dos principais protagonistas da relação entre luz e sombra nas artes figurativas. A princípio me baseei nisso para restituir visualmente sua vida, sua atividade sacra, analisando a relação figurativa que esse artista estabelece com a luz. No início de sua atividade, a luz é muito difusa, nórdica (ele nasceu em Caravaggio, um povoado na Província de Bergamo). Depois, pouco a pouco, a paisagem se anula, o fundo se torna escuro e dali extrai as personagens colhidas pela luz. Chega assim à "Vocação de São Matheus", que constitui um momento revolucionário da arte pictórica, uma relação extraordinária entre luz e sombra, com aquele raio de sol que atravessa toda a cena e a divide em duas entidades. Foi esse traço revolucionário que tentei colocar no centro da história, uma vida passada entre luz e sombra, duas partes que se unem num conjunto harmônico e ao mesmo tempo conflituoso.

O sr. já pintou?
Não. Não só não sei pintar mas nem sequer desenhar. Por isso tento me expressar pela fotografia.

Corrija-me se eu estiver errada: até hoje o sr. já participou de cerca de 40 filmes. A pergunta é: por que decidiu trabalhar numa minissérie de TV?
Na realidade, "Caravaggio" não é uma minissérie de TV, mas um filme para a televisão, um projeto realizado em dois episódios de cem minutos cada um. Mas o primeiro filme para a TV de que participei foi "A Estratégia da Aranha", de Bertolucci. Em "Caravaggio", o que mais pesou foi a história, a reconstrução de época, mesmo buscando a maior proximidade possível com o homem Caravaggio, com sua vida, seu sofrimento, com o fato de ter sido considerado um "pintor maldito", a dor da criança que perde o pai aos seis anos e, aos 18, a mãe, o trauma do menino provavelmente violentado aos 12 anos pelo primeiro professor... Traumas e feridas que carregou pela vida inteira, conflitos internos que seguramente influíram em sua pintura, toda feita de luz, que se pode entender como consciência, e de obscuridade, que se pode entender como inconsciente. Estou convencido de que, em Caravaggio, a sombra é mais importante do que a luz, luz que ele faz emergir da sombra, da escuridão. Quando, seis ou sete anos atrás, a produtora Ida Di Benedetto me propôs o projeto do "Caravaggio", comecei a estudar as cenas e os copiões à medida que eles evoluíam e se modificavam com o tempo e percebi que aquela história me pertencia bastante, quase demasiadamente, tanto que eu a aceitaria qualquer que fosse o formato: um desenho, um grafite na parede de uma caverna, uma história em quadrinhos, um filme ou um episódio televisivo, enfim, qualquer coisa. Lembro que, durante meu curso de fotografia, um professor nos disse: "Como é impossível saber tudo de tudo, lembrem-se de que a coisa mais importante é saber onde buscar as coisas que precisamos conhecer. Haverá um momento em que vocês se interessarão por algum tema: então escavem nele o melhor que puderem". Mas logo entendi que a melhor escola para mim era justamente meu trabalho, ou seja, uma série de oportunidades que me permitiam aprofundar, cada uma, um tema a ser pesquisado, indagado, estudado. Por exemplo, em "O Conformista", de Bertolucci, eu teria pela frente a Itália dos anos 1930, a figura de Alberto Moravia, a arquitetura racionalista, a pintura de Giorgio de Chirico. Ou, para citar outro exemplo, também de Bertolucci, "O Último Imperador", que me levou a estudar a cultura chinesa. Ou, então, a cultura árabe, em "O Céu Que Nos Protege", ou a russa, em "Pedro, o Grande".

Quais são as diferenças (se é que existem) entre trabalhar para o cinema e para a TV?
Do meu ponto de vista não vejo diferenças, pois em ambos os casos se trata de imagens em movimento. A distinção entre "para a tela grande" e "para a telinha" me parece cada vez mais carente de sentido, já que as telas têm encolhido nos multiplex, enquanto as telas de TV e os videoprojetores aumentam de tamanho.É por isso que tenho em mente um projeto de unificação dos formatos de cinema e TV, que chamo de Univisium (que em latim significa justamente "visão única").Por exemplo, tomemos "O Último Imperador", de Bertolucci, filmado em cinemascope, um formato com predomínio da dimensão horizontal, muito apreciado pelos espectadores das salas cinematográficas por seu poder de envolvimento.Na TV esse tipo de formato, para se adaptar aos padrões televisivos, passa por cortes que incidem em seus extremos, direito e esquerdo, cortes que evidentemente alteram os enquadramentos do filme, às vezes ocultando parte dos atores. Para contornar esse grave e irritante inconveniente, pensei num formato que esteja em equilíbrio entre o do cinema e o da TV, constituído substancialmente por dois quadrados, ou seja, com a largura duas vezes maior que a altura, mais ou menos como a pintura "A Última Ceia", de Leonardo da Vinci. Usei esse formato, por exemplo, para Carlos Saura em "Tango" e em "Goya", e também em "Mirka", de Rachid Benhadj. Atualmente, sempre com o formato Univisium, estou filmando "Eu, Don Giovanni", mais uma vez para Saura.

Luca Ronconi, com quem o sr. trabalhou em "Orlando Furioso", é um diretor de teatro. Existe uma relação diferente da iluminação para o teatro e para o set de filmagem?
Minha experiência com o teatro chamou minha atenção para o fato de que a iluminação não era fruto de uma pesquisa específica, que corria o risco freqüente de perturbar o sentido das cenas, da recitação dos atores e, no caso da ópera lírica, dos cantores. O que me interessava era intervir criativamente na iluminação aos olhos dos espectadores. Assim, minha expressão não sofria nenhuma alteração técnica, mas agia diretamente, apenas com a iluminação. Mas, após essa experiência, também compreendi que a minha expressão se completava justamente com o uso de todas as tecnologias que pertencem à palavra "cinematografia". É por isso que me considero um "cinematógrafo", que é, como sugere a etimologia da palavra, alguém que "escreve com a luz" no cinema, ou seja, em movimento, com um tempo e um ritmo, a fim de contar uma história.

E quanto à ópera?
Já havia tido experiências com a música lírica quando trabalhei para Bernardo Bertolucci, que em seus filmes quase sempre insere referências musicais extraídas de óperas líricas, o que é típico de um bom emiliano nascido em Parma, onde há essa espécie de templo da música lírica que é o teatro Regio. Na ópera, os ritmos distintos, sejam de Verdi, Puccini ou de outro compositor, me levam a criar iluminações diversas, que dependem da história, mas também da estrutura musical que a sustenta, além dos movimentos ligados ao desenvolvimento cênico, igualmente funcionais para os ritmos da narrativa e da música.

Podendo escolher entre tomadas internas e externas, quais preferiria?
Mais que escolher entre internas e externas, a grande diferença talvez esteja entre o espaço fechado do estúdio e os lugares reais. Explico. O lugar onde estamos conversando é um interior, mas está articulado ao exterior, já que ao redor há uma relação interno/externo (janelas, portas, entradas e saídas), tudo de algum modo ligado à luz solar que cresce e decresce. Nossa intervenção consiste em acrescentar, difundir ou tentar limitar a grande energia visível da luz solar, que muda segundo as estações, as horas do dia e até a angulação -isto é, o ponto de vista com o sol à frente ou atrás. Essa variabilidade pode ser compatível ou não com nossas escolhas prévias, em razão da cena que vamos filmar. No segundo caso, precisamos contornar as condições adversas, tentando modificá-las de algum modo com os meios técnicos de que dispomos. Ao contrário, quando estamos em um interno/interno, como em um estúdio cinematográfico, ficamos completamente livres e podemos recriar aquele tipo específico de visão, mesmo que se trate da reconstituição de um espaço externo. Um exemplo: para a última cena de "Eu, Don Giovanni", foi reconstituída uma praça com um canal veneziano mediante um sistema especial já experimentado em "Duna" [série de TV] e utilizado também no "Goya" de Saura: a cenografia não é construída em três dimensões, mas em duas, ou seja, é feita apenas de imagens fotográficas elaboradas no computador (proporções, cores etc.), impressas em folhas de plástico colocadas em estruturas específicas e iluminadas de tal modo que o espaço parece tridimensional, mesmo não sendo nada mais que folhas de plástico com imagens impressas. Em seguida, com a iluminação, é possível mudar a visão de acordo com as várias necessidades. Tudo isso com uma enorme economia de custos.

Mas não é melhor trabalhar em locações reais?
As reconstituições são habituais, sempre foram feitas e sempre se farão, mas, quando se pode, é sempre melhor estar o mais perto possível dos lugares reais, por uma questão de cultura. Quando rodamos "Pedro, o Grande", estávamos num pequeno vilarejo a três horas de Moscou, com uma temperatura de -20C. Uma coisa é ver a respiração dos atores se condensando enquanto falam, outra é filmar em um estúdio aquecido. Reconstruímos certos interiores de Moscou (e o modelo estava bem próximo de nós), já que não era possível levar uma trupe cinematográfica para dentro do Kremlin. No entanto o cenógrafo era russo, falava-se russo, circulavam revistas e livros russos, ou seja, a cultura russa estava ao redor e dentro de nós. O mesmo aconteceu nos filmes ambientados na China ("O Último Imperador"), na Arábia Saudita ("O Céu Que Nos Protege") ou no Butão ("O Pequeno Buda").

O sr. poderia falar sobre os problemas discutidos em "Escrever com a Luz"?
Trata-se da obra que resume as fases fundamentais da minha pesquisa. Como não concluí estudos específicos, senti a necessidade de preencher minhas lacunas, sobretudo no campo da história da arte e dos problemas da arte, trabalhando como autodidata. Daí as leituras, audições de música, leitura de poesia, filmes e história do cinema, arquitetura etc. Tomava notas, tentava instruir-me também em filosofia, comecei a freqüentar mais os museus e as galerias e tudo isso me ajudou a compreender melhor não só o significado das coisas, mas também o porquê da emoção que a luz me suscitava e, de maneira diversa, a sombra; as várias vibrações na presença de várias cores... Tudo isso eu aproveitei à medida que avançava em meu trabalho e depois incluí em minhas observações, redigidas quando filmávamos "Pedro, o Grande" na Rússia, recuperando inclusive reflexões de quando rodei filmes mais antigos, como "O Conformista" ou "O Último Tango em Paris". E, como sou um escritor de imagens, me dei conta de que deveria inserir imagens naqueles textos sobre a luz, de modo que se pudesse entender melhor meu pensamento. Então organizei o material escrito incorporando muitas fotografias e referências a textos filosóficos, a começar por Platão e indo até os ensaios mais específicos de Eisenstein, enriquecendo-os com observações minhas. No final dos anos 70, após ter filmado "Apocalypse Now", de Coppola, parei para refletir sobre meu trabalho, todo ele centrado nos valores da luz, e então descobri a cor e passei a estudá-la, escrevendo e me respaldando em muitas outras obras. Trabalhando com Bernardo Bertolucci e mais tarde com Coppola ("Tucker - Um Homem e Seu Sonho"), pude utilizar com maior conhecimento de causa a simbologia e a fisiologia da cor. Continuei minha pesquisa sobre o equilíbrio dos elementos, como nos filmes de Beatty ("Reds", "Dick Tracy", "Politicamente Incorreto"), buscando expressar emoções e caracterizar as personagens numa espécie de vocabulário visual. Concluído "O Último Imperador", senti a necessidade de refletir mais um pouco e retomei meus estudos, partindo do conceito de equilíbrio dos filósofos gregos, que Aristóteles e Tales viam como o conjunto harmônico dos elementos da vida. Fiz um trabalho de investigação sobre o equilíbrio entre elementos opostos, como homem e mulher, consciente e inconsciente, sobre as cores vermelha, verde e azul, sobre a luz e a sombra. Um terceiro percurso leva diretamente ao "Pequeno Buda", com as considerações sobre todos os estilos aplicados às imagens dos filmes que fiz -imagens que pus ao lado do texto. Desse material surgiu a idéia de montar uma mostra fotográfica com as fotos mais significativas do meu trabalho no cinema. Assim nasceu a exposição itinerante "Escrever com a Luz -Duplas Impressões entre Fotografia e Cinema", que, depois de percorrer algumas cidades italianas, irá para a Suíça, a Grécia e a Espanha. Espero levá-la também ao Brasil.

A luz pode transformar um estado de espírito? Qual é a cor que lhe propicia uma maior harmonia com a vida?
Antes de tudo penso que a luz, sendo uma energia cuja parte visível é captada pelo órgão da visão, chega até nós ainda que não a busquemos.Somos como placas sensíveis, e, segundo o tipo de luz que recebemos, altera-se nosso metabolismo, nossa pressão sangüínea, nossa emoção.Fazendo um paralelo entre vida e luz, digamos que a vida é feita de muitos momentos, de muitas e variadas emoções, várias etapas. Se quisesse representar a vida com a luz, poderia usar a luz branca. Mas, se quisesse representar um momento particular da vida, poderia usar, para o nascimento, a cor vermelha, que é a primeira cor do espectro cromático; a infância poderia ter uma cor laranja, a segunda cor do espectro, remetendo ao calor familiar, aos abraços maternos; o amarelo é a consciência, representa bem os nossos 12 anos, os anos da puberdade, da percepção de nossa sexualidade; o verde é indicado para os nossos 20 anos, os anos do conhecimento, do aprendizado por meio dos estudos. Para a maturidade, dos 30 aos 50, há o azul, quando se desenvolvem nossas potencialidades, a agudeza do espírito e da inteligência e, se quisermos, o sentido da liberdade. Quanto mais usamos a inteligência, mais estamos livres para fazer o que queremos. O índigo pode representar bem a vida entre os 50 e os 70 anos, pelo menos para mim. É o período da classe dirigente, do poder. Tenho 67 anos e aos poucos estou me deslocando para a última cor, que é o violeta, a cor da última etapa de nossa vida terrena, o momento em que transferimos nossos conhecimentos para os outros...

Quais são as diferenças entre as tomadas em preto-e-branco de muitos anos atrás e as tomadas de hoje, com película em cores?
Em minha opinião, seria preciso começar do preto, que é um pouco o início de tudo, uma espécie de matéria bruta, como uma mãe que contém em si todas as coisas, todas as energias, todas as cores e emoções. Leonardo [da Vinci] dizia que as cores são simplesmente os filhos da sombra e da luz, do preto e do branco. Se houvesse uma escada, o preto seria o primeiro degrau, e em seguida viriam todas as cores, como escreveu Isaac Newton, que ainda dizia que o preto representa a matéria, o passado, enquanto as cores representam o presente.

Gostaria de filmar a biografia de algum outro pintor, antigo ou moderno?
Entre os muitos pintores, sou atraído particularmente pela vida e a obra de Paul Gauguin [1848-1903], um artista que estabelece uma forte relação com a natureza, que foi viver no Taiti, nos distantes mares do Sul, que foge de Paris, centro do impressionismo, para se confrontar com a vida e a natureza daquele que é considerado o "último paraíso". De certo modo, sua pintura une dois mundos distantes, duas culturas diferentes. Um pouco o que aconteceu comigo quando fiz "Apocalypse Now", que tratava justamente de duas culturas distintas e distantes, duas civilizações: a ocidental dos EUA e a oriental do Vietnã. Talvez, sim, gostasse de poder fazer uma obra que redescobrisse a natureza com os olhos cheios das tantas imagens que atravessaram minha vida, das artes egípcias às assírio-babilônicas, greco-romanas, renascentistas, até chegar aos nossos dias. É uma viagem que eu gostaria de fazer.

Como se articula sua relação com o diretor no set? Os cineastas têm idéias precisas sobre o papel da fotografia, põem o problema em discussão ou acatam as propostas dos responsáveis pela fotografia?
Às vezes me pedem um parecer, perguntam se estou de acordo ou se acho melhor rodar mais uma vez. Em geral é o diretor quem toma a última decisão. Mas às vezes surgem ocasiões específicas. Por exemplo, com certos atores (foi o caso de Marlon Brando no "Último Tango em Paris" e em "Apocalypse Now", ou de Elisabeth Taylor em "Identikit", de Giuseppe Griffi). Nesses casos, pedi que fizéssemos as cenas pelo menos duas vezes, para ter certa segurança técnica, digamos assim, e dispor de um duplo negativo, aliás muito útil, já que mesmo em fase de tratamento as películas em cores estão sujeitas a possíveis rasgos e arranhões.

Os efeitos especiais, e mais particularmente as tomadas em digital, lhe apresentam problemas específicos? A manipulação que essa técnica permite também interessa ao seu trabalho? O que pensa sobre isso?
Junto com o diretor Giuliano Montaldo, fui o primeiro na Itália a usar aquilo que então se denominava "alta definição" e que, por ser analógica, ainda não levava o nome digital. Mas o digital será a tecnologia avançada que substituirá o analógico das películas. Mas hoje ainda não atingimos níveis decisivos, já que as diferenças entre os dois procedimentos não são muito expressivas -aliás, hoje as películas analógicas ainda são melhores. O sistema digital dá a possibilidade de manipular a imagem mais facilmente, com uma extensão da fantasia. Como se não bastasse, permite a checagem imediata do que foi filmado, sem precisar esperar os processos de revelação e reprodução do laboratório -ainda que, repito, as películas analógicas produzam um resultado final melhor e apresentem mais durabilidade. Quanto aos efeitos especiais, eles sempre foram usados no cinema, desde os tempos de Georges Méliès [1861-1938], mas com as possibilidades daquela época. Hoje, com as tecnologias digitais, os efeitos foram ampliados e aperfeiçoados, conferindo uma maior riqueza à expressão.

A que obra se sente mais ligado?
Uma escolha desse tipo seria realmente dramática, porque é como um livro ou uma sinfonia: não se pode extrair uma página ou uma nota, porque sem o resto não se teria mais o livro ou a sinfonia. De qualquer modo, citando sem uma ordem específica, poderia indicar "Juventude, Juventude", que é meu primeiro filme, e depois passar para "O Conformista" e "Apocalypse Now", que são os filmes com os quais comecei a desenvolver minha reflexão sobre a luz, enquanto "La Luna", "O Fundo do Coração" e "O Último Imperador" são os três filmes fundamentais para minhas idéias sobre a cor. Quanto à relação entre os elementos, citaria "O Pequeno Buda" e a série sobre a Roma antiga de Luigi Buzzoni, "Roma - Imago Urbis". Para a última fase de minha vida artística, mencionaria "Tango", "Goya" e "Eu, Don Giovanni", o mais recente projeto que estou fazendo com Carlos Saura.

Mas o filme de Saura ainda está em preparação?
Sim, ainda estamos filmando. Completamos a primeira parte, sobre a história de Lorenzo da Ponte, o libretista do "Don Giovanni" de Mozart, e sua vida em Veneza. Em junho iremos rodar a segunda parte do filme, sobre sua temporada em Viena, onde ele encontrará Mozart e ambos vão compor o "Don Giovanni". É um projeto que me apaixona muito.

Tradução de Maurício Santana Dias para a Folha de SP.

Viajante junto ao mar de névoa

2008-02-18T20:30:00.000-03:00

O viajante junto ao mar de névoa [1818]. Óleo sobre tela de Caspar David Friedrich [1774-1840]

As pinturas de Caspar David Friedrich primam pelo simbolismo e idealismo que transmitem. Friedrich é o mais puro representante da pintura romântica alemã. Suas paisagens não são apenas belas, mas expressam os mais puros sentimentos de uma alma que procura Deus na contemplação da natureza.

Friedrich observou e retratou a natureza da Alemanha do Norte, os campos em redor de Dresda, as costas setentrionais, a Suíça saxónica, de que se reconhece uma paisagem na pintura supracitada.
Não se limita a representar a natureza como ela é uma vez que lhe acrescenta um significado suplementar, expresso através de símbolos (tais como a figura de costas, as nuvens, a neblina e o horizonte), e através da estrutura compositiva das cores.
O Homem de costas é uma espécie de emblema da experiência romântica da natureza: sozinho, nas alturas, olha para um ponto inatingível e o que vê é, ao mesmo tempo, algo de exterior e a projeção do seu ego.

Matisse

2006-12-18T09:58:00.000-03:00

[Le Rifain]

Henri-Émile-Benoît Matisse foi um pintor, desenhista e escultor francês do Fauvismo, um movimento artístico nascido em Paris por volta de 1905. Nasceu em Le Cateau-Cambrésis, na Nord-Pas-de-Calais, França em 31 de dezembro de 1869 e morreu em Nice, França, em 3 de novembro de 1954. Henri-Émile-Benoît Matisse foi um pintor, desenhista e escultor francês do Fauvismo, um movimento artístico nascido em Paris por volta de 1905. Nasceu em Le Cateau-Cambrésis, na Nord-Pas-de-Calais, França em 31 de dezembro de 1869 e morreu em Nice, França, em 3 de novembro de 1954. A presente pintura foi executada quando o pintor viajou para o Oriente e encantou-se com a riqueza visual da região. Vemos aqui um príncipe de olhar triste, mas firme. Parece estar preparado, tanto para a guerra, quanto para o amor.

Milo Manara

2006-11-07T20:50:00.000-03:00

Manara estreou no mundo dos quadrinhos em 1969 com a obra Genius um conto noir sensual e sombrio na linha de HQ’s como "Kriminal" e "Satanik". Trabalhou para publicações menores ("Jolanda", revista de arte soft-core, e a satírica revista "Telerompo") até ter sido convidado pelo "Il Corriere dei Ragazzi” trabalhar com escritor Mino Milani. A primeira história dos dois chamava-se "HP e Giuseppe Bergman", de 1983. A sigla "HP" é a abreviação do nome de um grande amigo deles, o artista e caricaturista italiano Hugo Pratt. Bergman havia sido criado por Manara cinco anos antes, para a revista francesa “A Suivre”.

Os quadrinhos de Manara geralmente giram em torno de mulheres elegantes, bonitas expostas a cenários e enredos eróticos improváveis e fantásticos. Em alguns de seus livros mais famosos estão os contos "Il Gioco" (1983, em quatro partes, de "Click"), sobre um dispositivo que deixava as mulheres incontrolavelmente excitadas, e "Il Profumo dell'invisibile " (de 1986, em Butterscotch), sobre a invenção de uma tinta que deixava seu portador invisível.

Um dos seus trabalhos mais aclamados foi justamente em colaboração com Hugo Pratt. The Ape, para a Heavy Metal, revista mensal ‘’cult’’ do início dos anos oitenta, que reconta a história de Sun Wukong, o deus-macaco da mitologia chinesa - com humor, arte sensual e um série de críticas políticas.
O estilo de Manara favorece linhas mas simples e limpas para mulheres – que são muito voluptuosas, diga-se de passagem - e reservam traços mais complexos para seus monstros ou outros elementos sobrenaturais. Como o seu compatriota Tinto Brass, tem uma evidentemente uma fixação por mulheres com bumbuns firmes e bonitos, quadris largos e semblante angelical.

Muitos de seus quadrinhos contêm temas como bondage, sadismo, e voyeurismo, coisas sobrenaturais, e a tensão sexual sob diversos aspectos da sociedade italiana. Os seus trabalhos são bem esclarecidos e explícitos, mas o humor-negro é sempre dirigido à misogenia. O talento de Manara criou ao longo do tempo um clima de assombro e êxtase, e onde quer que esteja é celebrado e homenageado por fãs, e, devido a muitas de suas incursões aos quadrinhos mais “tradicionais”, também é extremamente reverenciado pela mídia popular ou especializada.

Informações by Wikipedia

A Metamorfose de Lucius por Manara

2006-11-07T20:33:00.000-03:00

"A Metamorfose de Lucius", segundo álbum lançado pela editora Pixel desenhado pelo italiano Milo Manara, apresenta a lenda do Asno de Ouro, um texto clássico do Século 2 dC. O autor, Lúcio Apuleio, nascido na Argélia na época em que foi dominada pelo Império Romano, narra a história de Lucius, um rapaz que encontra uma poção mágica e, com ela, espera se transformar num pássaro. O plano dá errado e, em vez de sair voando, Lucius vira um burro. Mesmo com sua nova forma, continua pensando como humano e envolvendo-se com fogosas mulheres. Assim, o homem transformado em animal passa por grandes aventuras e apuros na Roma Antiga.

A HQ, publicada originalmente em 1999, chega agora ao Brasil pela editora Pixel e a partir desta semana estará nas principais bancas e comic shops de todo o país. Toda a história é ricamente ilustrada por Milo Manara, o mestre máximo dos quadrinhos eróticos. Mulheres bonitas e belas cenas de sexo não faltam em "A Metamorfose de Lucius". Mas Manara não fica apenas nisso. Ao longo da história, o leitor poderá vislumbrar cenários belíssimos e cheios de detalhes que somente um artista de sua envergadura poderia proporcionar.

O álbum traz também uma entrevista exclusiva com Milo Manara, concedida ao jornalista e crítico de cinema Rodrigo Fonseca. Nela, Manara conta que não faz desenhos vulgares, apenas eróticos. Diz que sabe pouco sobre o governo Lula e que tem vontade de conhecer melhor o Brasil: "O que guardei daí foi a impressão anatômica que as mulheres do seu país deixaram em mim. Principalmente quando falamos dos quadris.”
“A Metamorfose de Lucius” vem ainda com um texto introdutório do jornalista Gonçalo Junior, o maior especialista brasileiro sobre a obra de Milo Manara.

A Metamorfose de Lucius 60 páginas, R$ 25,90

Andy Warhol

2006-10-13T22:53:00.000-03:00

Nascido Andrew Warhola, Andy Warhol foi um dos iniciadores e expoentes da Pop Art nos anos sessenta. Nasceu em 6 de Agosto de 1928, em Pittsburgh-EUA; morreu em 22 de Fevereiro de 1987, em Nova Iorque. Começou a pintar produtos americanos famosos, como latas da sopa Campbell's e Coca-Cola, ou ícones de popularidade, como Jacqueline Kennedy a Marilyn Monroe, passando por Mao Tse-tung, Che Guevara ou Elvis Presley. Reproduzia continuamente as suas obras, com diferenças entre as várias séries, tentando tornar a sua arte o mais industrial possível, usando métodos de produção em massa. Chegou a filmar, realizando filmes experimentais e para além do cinema Warhol também foi produtor do grupo de rock Velvet Underground. É de sua autoria a expressão "um dia, todos terão direito a 15 minutos de fama ", que só se aplicaria no futuro.

Jean-Michel Basquiat

2006-10-10T09:29:00.000-03:00

Artista americano, nascido em Nova Iorque (1960-1988), começou fazendo graffiti aos 17 anos em metrôs de Manhattan e terminou como um grande artista internacional de vanguarda da década de 80. Amigo pessoal de Andy Warhol, com quem compartilhou técnica e inspiração. Desapareceu em 1988, vítima de overdose de heroína. Tinha uma personalidade ímpar: achava as pessoas muito ligadas ao material e pregava que devíamos estar voltados para o espiritual, dizia que a classe média ligava muito em ficar mostrando o que não tem com roupas caras. Em 1980 parou de grafitar e começou a pintar telas. Nesta época escreveu pelas paredes de toda Nova York: Samo morreu (assinava seus graffitis como SAMO).

[Foto de William Coupon]

Vincent Van Gogh

2006-10-07T16:14:00.000-03:00

Ninguém encarnou como Van Gogh a imagem do gênio incompreendido. Nascido em 30 de março de 1853, passou a dedicar-se ao desenho e à pintura seriamente só aos 27 anos – depois de ter tentado ser vendedor de obras de arte, professor, balconista de uma livraria e evangelizador de leigos; dez anos depois se suicidou. Deixou ao todo 800 obras, sendo que suas obras-primas mais conhecidas foram pintadas em ritmo frenético – às vezes duas num só dia – durante os dez últimos anos de sua vida.
Nesta litografia exibida aqui, denominada apenas de"Sorrow", Van Gogh colocou uma observação de Jules Michelet, num dos desenhos preparatórios:“ Como é que pode existir na terra uma mulher tão sozinha e abandonada?” A modelo era uma prostituta vinda das ruas. Vincent deu-lhe abrigo e cuidou dela por vários anos, até que ela se foi. O resultado desta relação foi um dos maiores retratos da dor humana já vistos no mundo da pintura.

A caixa de Andy

2006-10-05T19:46:00.000-03:00

Você sabia que Andy Warhol gostava de guardar caixas e mais caixas de papelão?! Acesse a caixa de número 21 de um total de 600 caixas de papelão de Andy Warhol e veja objetos pessois, fotos, recortes e muitas outras coisas. Vai dizer qu você não sabia disso?! Estou de alma lavada, heim?!

Encontre a caixa aqui: http://www.warhol.org/

Giuseppe Arcimboldo

2006-10-05T13:30:00.000-03:00

Arcimboldo nasceu em Milão, no ano de 1527. É considerado um dos mais célebres representantes do maneirismo.Iniciou-se na vida artística aos 22 anos, projetando os vitrais da catedral de Milão, juntamente com seu pai.
Arcimboldo viveu muito tempo em Praga, na corte do imperador Rodolfo II, onde estudou e criou algumas de suas obras mais conhecidas.
Em 1563, ele produziu a série “As Quatro Estações”. O tema agradou tanto a nobreza da corte que Arcimboldo recebeu inúmeros convites para pintar, inclusive do próprio imperador Rodolfo II. Na verdade, as pinturas do artista, com todas as cores e frutas eram utilizadas para demonstrar a prosperidade do Imperador, que mais tarde o contratou. Além das frutas, suas pinturas mostram composições de legumes, animais e objetos exóticos que, olhados com atenção, nos permitem entrever figuras humanas. O toque de mestre do pintor foi utilizar, em cada tela, elementos que correspondessem ao tema retratado; assim, “A Primavera” (mostrado aqui) é composta basicamente por flores.
O artista também desenhava roupas para os atores da corte de Rodolfo II, onde eram representadas peças teatrais. Arcimboldo morreu em Milão, no ano de 1593 e seu trabalho caiu no esquecimento por aproximadamente 300 anos, até ser redescoberto pelo Movimento Surrealista, entre os séculos XIX e XX.

Próximas postagens

2006-10-04T20:56:00.000-03:00

Abordaremos a arte de El Greco, Caravaggio, Gustave Doré e Maxfield Parrish . Aguardem!

Rembrandt

2006-10-04T13:47:00.000-03:00

[O Guerreiro]

Rembrandt Van Rijn, pintor e gravador holandês, nasceu no dia 15 de julho 1606, em Leyden. Famoso e rico aos trinta anos, morreu incompreendido e na miséria aos 63. Em seu testamento deixou "algumas roupas de linho ou lã minhas coisas de pintor" e os quadros que marcaram um dos pontos culminantes na história da pintura.

Escher

2006-10-03T20:00:00.000-03:00

[Mauritus Cornelis Escher, nasceu em Leeuwarden na Holanda em 1898, faleceu em 1970 e dedicou toda a sua vida às artes gráficas. Pode-se dizer que seja o padroeiro dos artistas gráficos!
Quando jovem ingressou na Escola de Belas Artes de Haarlem para estudar arquitectura, conhecendo o personagem que mudou sua vida, um professor de Artes Gráficas judeu de origem portuguesa, chamado Jesserum de Mesquita. Conheceu as técnicas de desenho e deixou-se fascinar pela arte da gravura. Este fascínio foi tão forte que levou Mauritus a abandonar a Arquitetura e a seguir as Artes Gráficas. Quando terminou os seus estudos, Escher decide viajar, conhecer o mundo!
Estas passagens por diferentes culturas, inspiraram a mente de Escher. Em Granada, onde conheceu os azulejos mouros, manteve contato com a arte árabe está na base do interesse e da paixão de Escher pela divisão regular do plano em figuras geométricas que se transfiguram, se repetem e refletem, pelas pavimentações. Porém, no preenchimento de superfícies, Escher substituía as figuras abstrato-geométricas, usadas pelos árabes, por figuras concretas, perceptíveis e existentes na natureza.
Mesmo sem um conhecimento matemático prévio, mas através do estudo sistemático e da experimentação, descobre todos os diferentes grupos de combinações isométricas que deixam um determinado ornamento invariante.
Na obra que abre essa postagem vemos algo impressionamente: se nos fixarmos no losango branco central a baixo, automaticamente somos levados até ao céu, e o que de início era uma simples figura geométrica rapidamente se transforma num pássaro. Os pássaros brancos voam para a direita em direção à noite que recobre uma pequena aldeia à margem de um rio. Os pássaros negros, por sua vez, sobrevoam uma imagem iluminada pelo sol, que é exatamente a imagem refletida da paisagem noturna. Fantástico!]

O endereço é enorme, mas facilitei pra você (basta clicar e viajar): http://britton.disted.camosun.bc.ca/escher/jbescher.htm

William Blake

2006-10-03T12:59:00.000-03:00

[William Blake nasceu em Londres em 1757, onde viveu praticamente quase toda a sua vida, morrendo em 1827. Era filho de um comerciante rico e desde criança gostava de ler e desenhar. Aos dez anos de idade, foi enviado à escola de desenho e, aos quatorze anos, tornou-se aprendiz do famoso gravador James Basire. Dois anos depois, Blake começou a estudar e desenhar as igrejas de Londres, especificamente a Abadia de Westminster, que com seu estilo gótico majestoso o fascinou sobremaneira.
Além de ser um dos primeiros grandes poetas românticos ingleses, Blake foi também pintor, impressor e um dos maiores gravadores da história inglesa, podendo ser considerado o precursor dos pré-rafaelitas. Suas pinturas refletem a visão de uma realidade interior peculiarmente rica, um mundo de fantasias que só poderia haver na mente de um gênio. A arte de Blake transpira vida, afirmação, mesmo quando revela seus tons acinzentados e escuros. A água-forte mostrada aqui representa O Sonho de Uma Noite de Verão, de Shakespeare, num azul turvo que só Blake poderia ter recriado, a partir do constante enxergar da natureza.
O detalhe mais curioso é a expressão melancólica e contemplativa da fada central.
Preste Atenção: No movimento do quadro. As fadas parecem estar dançando de verdade.]

Nascimento de Vênus

2006-10-02T14:04:00.000-03:00

[Alexandre Cabanel (1823-1889) foi um pintor francês, representante do Classicismo Acadêmico.]

Monalisa de Da Vinci

2006-10-01T16:18:00.000-03:00

[Leonardo da Vinci -1452/1519- foi pintor, arquiteto, engenheiro, cientista e escultor do Renascimento italiano. É considerado um dos maiores gênios da história da Humanidade. Seu trabalho mais conhecido é a Mona Lisa (também conhecida como La Gioconda, exposta no museu do Louvre, em Paris) e a Última Ceia (L'ultima cena ou Cenacolo) , exposta no Convento de Santa Maria delle Grazie, em Milão].

IMAGEM
Imagem (do latim imago) é toda e qualquer visualização gerada pelo ser humano, seja em forma de objeto, de obra de arte, de registro foto-mecânico, de construção pictórica (pintura, desenho, gravura) ou até de pensamento.

Imagem também pode ser natural. Já existir independente do ser humano.

Uma representação sensível de um objeto.

Algo que vemos.

Tudo que vemos.

A leitura do mundo em forma e cores.

Vale por mil palavras!